解放军文职招聘考试美术的艺术语言

                         美术的艺术语言
从艺术的各个门类来讲，美术的艺术语言包括点、线、面、体。空间、光、色、材质和肌理等。这些艺术语言中的绝大多数为各种美术所共有。了解这些艺术语言的主要特点，是欣赏各种美术作品的重要基础。
 
                   （点、线构成的图形）

点：在几何学中是没有长、宽、厚而只有位置的，在美术的艺术语言中，点则具有大小不同的面积或体积，当然，这种大小是相对而言的。在人的通常观念中，点是非常小的东西，是与人的视觉感受相联系的，例如在茫茫大海中的一叶孤舟。在平面上的点，由于大小、位置的不同，可以使人产生不同的视觉感受，给人以不同的情绪感染。在工艺美术的图案设计中，可以利用点构成各种优美的图形。中国山水画中传统的“点苔法”就是以各种形状的点来表现山石、地坡、枝干上和树根旁的苔前杂草。这些点既是表现具体物象，又具有一种独特的美。

 

 

                                                《大碗岛的星期日下午》（修拉）

 

 

 

 

 

 

线：也称线条，在几何学上是指一个点任意移动所构成的图形，有直线和曲线两种。所以，简而言之，线是点的延伸，它的定向延伸是直线，变向延伸为曲线。在二维空间中，线是面的边界线；在三维空间中，线是形体的外轮廓线和标明形体内部结构的结构线。所以，线在造型中具有很重要的作用。作为美术的重要艺术语言的线条，与点一样能使人在视觉上产生一定的感受，这种感受首先表现为一种心理和情感的效果。例如，水平直线给人以平静。沉稳、舒展、安宁的感受；垂直线给人以挺拔、刚毅、庄严的感受；自由曲线给人以自由、活泼、流动与愉悦的感受。此外，线条还能表现出一定的空间关系。例如两条粗细不同的水平直线位于同一平面时，粗的线使人感到它离人比较近，细的线则使人感到离人比较远。以线条作为最基本的造型手段的中国传统绘画，在运用线条这一艺术语言方面积累了极其丰富的经验。例如，以墨线勾描物象、多不着色的白描，仅凭简练的线条就可创造出动人的艺术形象，如宋代著名的《朝元仙仗图》或称《八十七神仙卷》。中国古代人物画创造的“十八描”（指：高古游丝描、琴弦描、铁线描、行云流水描、马蝗描、钉头鼠尾描、混描、撅头丁描、曹衣描、折芦描、橄榄描、枣核措、柳叶描、竹叶描、战笔水纹描、减笔描、柴笔描、蚯蚓描），就是为了表现中国古代人物衣服格纹而创造的用线方法。在现代设计艺术中，线条这一艺术语言更成为一种重要的表现手段，如以线条构成的各种商标和运动会的标志。

                   《八十七神仙卷》（宋）
画中的人物以一种规律性的动态组合，形成强烈肃穆、款款欲仙的装饰美。画中有规律的竖向线条加强了画面构成的装饰性美感。

《泰戈尔》徐悲鸿
这是一幅肖像画，虽然采用的是中国画形式，但从构图上可以看出与传统中国画中的写真图和人物绣像已完全不同。它采用的是西画的构图方法，即在焦点透视原则指导下，人物与背景的关系符合客观环境秩序的界定，这是很有意义的一个尝试。应该说，《泰戈尔》是徐悲鸿运用中西合壁手法表现得最为成功的画作之一。

面：在几何学上，线条移动所造成的形迹被称为“面”。它有宽有长，没有厚度。面在美术的艺术语言中，比点、线更显示出具体的形，所以，谈面实际上涉及到形。当然，面是相对于体而言的，是一种具有长宽的二维空间形象，即平面形象。换句话说，面就是平面的形，平面的形大体上可以归纳为“几何学形”、“有机形”、“偶然形”、“不规则形”4种。几何学形由直线或曲线、或直线和曲线两种线结合而构成。几何学形中由直线构成的有方形、矩形、三角形。梯形、多角形等；由曲线构成的形有圆形、椭圆形、曲线形等。各种几何形给人以不同的视觉感受，例如方形给人以方正、坚实的感觉；横长方形给人以平静、沉重的感觉；竖长方形给人以高耸、伟岸的感觉；等腰三角形给人以向上与稳定的感觉。有机形虽不像几何学形那样有规则，但它并不违反自然的法则，具有纯朴自然的视觉特征，给人一种有秩序的美感。偶然形完全是偶然形成的，运用得好，可以丰富人们的想象力，创造一种特殊的美感。不规则形是指人们有意识创造的无规则的形，如用手随意撕开纸张形成的不规则形，这种形由于是有意识创造的，所以，它能创造一种特殊的情境。以造型为主要特征的美术，形的重要性远胜过于其他艺术，因为没有形，也就没有美术。具有造型实体的建筑艺术，其重要艺术语言就是形。通常所说的一座建筑的立面，如希腊巴底农神庙和我国山西五台山佛光寺大殿的正立面，体现了两种不同风格的建筑美，同时，在立面的处理上都运用了诸如对称、均衡、比例、节奏、韵律、虚实等一系列形式美法则。

 

体：这里所说的体，是指立体形态的形，因为有体必有形。所以，这里所说的体也可称之为体形或形体。同时，有体，必有大小之分，即体积，因此，体与形状体积是密不可分的。人对大小形体的感觉是绝不相同的，大的体积，给人以雄伟、沉重等感觉；小的体积，给人以灵巧、轻松的感觉。例如，现今分布在江苏南京及其邻近的许多南朝陵墓石刻，大多是表现传说中的瑞兽，它们都具有形体硕大，气势逼人的特点，人们远远望去，其鲜明有力的体形便给人以深刻的印象，使人产生一种敬畏的心理。再如，中国古代的楼阁式佛塔和欧洲中世纪的哥特式教堂，两者都有高耸的体形，但体形并不全相同，中国佛塔的层层屋檐形成了许多水平线，轮廓饱满而富有张力；哥特式教堂的立面充满了垂直线，呈现出一种强烈的升腾之势，借此体现了基督教徒向往“天国”的精神。
空间：是指物质存在的一种客观形式，由长度、宽度、高度表现出来。各个门类的美术总是存在于一定空间之中，所以，美术又称“空间艺术”。在美术中，因其种类不同，空间性质不尽相同。一般说来，空间意识产生于视觉。触觉和运动觉中。这些由人的感觉感知的空间，其性质也是不同的。一般地说，绘画、书法篆刻、摄影艺术的空间性质依靠视觉；雕塑、工艺美术和建筑艺术，除视觉外，还依靠触觉与运动觉。具体地说，绘画是通过透视、色彩、明暗等手段，在平面上产生现实空间的假象。绘画、摄影艺术和雕塑艺术中的浮雕上形成的空间的错觉，使画面上的空间分为近景、中景和远景3个层次。具有真实的体积感的空间是真实的实体。特别是建筑艺术，“空间是建筑的主角”。建筑与其他艺术的最大区别就在于它具有可供人使用的空间而且空间的形状、大小、方向、开敞或封闭、明亮或黑暗，对人具有强烈的情绪感染的作用。例如，一个宽阔高大而又明亮的大厅，令人感到开朗舒畅；小而平易的空间给人以温馨，大而变幻的空间使人感到迷们；开阔的广场令人振奋，四周围有高墙的小广场给人以威慑……这些都说明建筑的空间具有一种艺术感染力量。
光：通常是指照耀在物体上、使人能看见物体的那种物质，如阳光、月光、灯光等。物体因受光量强弱的影响，而产生明暗层次的变化，其受光面称亮部；背光面称暗部；光线被物体遮断时形成暗部和投影；物质受光面向暗面的转折处，称明暗交界处，又称明暗交界线；物体暗部受到周围物体亮部映射的面，称反光面；物体亮部反射出光源的亮点称高光。西方传统的写实绘画就是运用这些光学原理，在画面上表现出人们可以感觉到的物象的明暗效果和物体的质感和量感、以及空间层次。摄影艺术对光的运用则更加重视，故摄影艺术被称为光与影的艺术。此外，从心理因素方面来分析，由于光和热是一切生命形态赖以生存的根本条件。光能引起生命之物本能的兴奋和喜悦。所以，人们赞美光明，厌恶黑暗。在艺术中，光明象征生命、幸福、希望、正义和神圣；黑暗隐喻死亡、痛苦、丑恶和妖魔。因此，美术家往往通过光的不同处理来表达不同的思想情感，光成为一种重要的艺术语言。

 

 

 

                                    《戴手套的女歌手》  德加

色：这里所说的色是色彩的简称。色是由光刺激眼睛而产生的视感觉。自然界中的一切色彩都是在日光或白光的映射下形成的。日光或白光在三棱镜折射下，分解为赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫七色，称为光色。不同物质对光色的吸收成分和反射程度不同，呈现出复杂的色泽变化。物质对光色全部或大部吸收则呈黑色，对光色全部或大部反射则呈白色。一切可视的物质都具有在光照中显示色彩的因素。红、黄、蓝是物质颜料中不能再分解或不能由其他颜料调合的色，故称“三原色”。三原色中两者相调会产生橙、绿、紫，称为“三间色”；间色与相邻色再次调合成的色称“复色”；间色与对立的原色关系称色彩的互补关系、或称“补色”，如黄和紫为互补色，绿是红的补色，蓝是橙的补色。颜色的固有色称“色相”；色彩的深浅浓淡称“色度”；色彩的冷暖对比倾向称“色性”。此外，色彩还具有知觉特性、情感性和象征性。色彩的知觉特性，是指由色彩引发起的人的知觉与联想所产生的感觉。这些感觉包括冷与暖、兴奋与安静、扩张与收缩、前进与后退、华丽与朴素等。例如，凡是偏向于红、橙、黄的色相，由于能引起人对太阳、火光等的联想，给人以暖和的感觉，被称为“暖色”；偏向于青、蓝、绿的色相，使人联想到天空、海洋等，使人产生寒冷的感觉，这些色相就被称为“冷色”。同样大的色块，暖色给人的感觉要比实际的大，冷色给的感觉要比实际的小。在同一画面上的冷暖两块色彩，暖色有向前的感觉；冷色有后退的感觉；明度和纯度均高的色彩给人以华丽的感觉；明度、纯度均低的色彩使人感到朴实。美术家们正是利用色彩的这些特性结合其他艺术语言，创造出富有感染力的艺术形象。
色彩的情感性与象征性，和人对色彩的感觉与联想密切相关。因为，所谓色彩的情感性，并非色彩本身具有什么情感，而是色彩在一定条件下可以诱发出人们的种种联想，唤起各种情绪，例如，红色常使人联想起血与火，所以，它是一种强烈、温暖、活泼的色彩，常用以象征革命和危险；绿色使人联想起生机盎然的自然界，给人以宁静、自然、和平的感觉，常用以象征生命、和平。当然，不同时代、不同国家和不同民族赋予色彩的象征性是有很大区别的，我国古代黄色象征皇权，所以，黄色是皇家专用色；但欧洲中世纪的人们则非常忌讳黄色。中国以白色丧服表示悲哀；欧洲人的丧服则是黑色。
总之，色彩在美术的艺术语言中，对于传达人的心理和情绪是极有表现力的，不过，各类美术在运用色彩这一艺术语言时，其方法是多种多样的，归纳起来，大体上有两种方法：
一种是要求真实地再现客观对象的色彩关系，这种色彩被称为“再现性色彩”或“写实性色彩”，如 19世纪法国印象主义绘画最为典型、一般用作绘画基本功练习的水粉静物画也依照这种方法。
另一种是根据美术家的表现意图，主观地进行色彩搭配，以表现作者的主观感受和审美情趣，这种色彩称为“表现性色彩”。其中又可分为装饰性色彩和情绪性色彩。前者多用于工艺美术中的装饰绘画、建筑艺术中的色彩装饰等；后者如西方现代主义美术中的野兽派和表现派等绘画。
材质和肌理：任何艺术都要依靠一定的物质材料，如写小说需要笔、纸和墨水，但是，这些材料对于创造小说中的艺术形象没有多大的关系。然而，美术则不同，各个门类的美术所创造的艺术形象与它使用的物质材料密切相关。中国画、油画、版画等画种的特点，很大程度上取决于它使用的物质材料，用质地细腻、洁白的汉白玉或大理石塑造的少女的雕刻，显然比用陶土塑造的形象更动人；现代流行的玻璃幕墙建筑显然比使用一般材料的建筑更使人赏心悦目；中国传统的书法。篆刻艺术离开了它使用的物质材料是很难想象的；摄影艺术更是与它使用的胶卷、洗印药品等物质材料的性能和质量密切相关。所以，物质材料在美术创作中的运用，不仅是创造艺术形象的手段，而且物质材料的性能、质量的好坏也与审美价值密切相关。
所谓肌理，是指美术作品表面的质感，具体地讲，就是美术作品表面的纹理，经触觉和视觉所感受到的起伏、平展、光滑、粗糙。精细的程度。在绘画艺术中一般称为笔触，即绘画中之笔法。例如，在油画中，画家常用稀薄的颜料、轻匀柔润的笔法渲染出缥缈的云天和明净的水面，而用浓重的颜料，重叠堆砌的笔触画出坚硬的岩石和厚实的土地。在工艺美术作品中，光滑的绸缎与粗毛线的编织物呈现出两种不同的肌理美。所以，合理运用材料的肌理效果，也可以增强美术作品本身的审美价值。正因为如此，材质和肌理也是美术的艺术语言之一。
以上简要地介绍了有关美术的分类、各类美术的主要特点及其艺术语言的一些知识，这些知识既是开展美术鉴赏活动的必要准备，同时，也是从一个方面为鉴赏各类美术作品提供了一些基本的方法。根据各类美术的主要特点、美术的主要艺术语言去鉴赏各类美术作品，将是一种行之有效的方法。