解放军文职招聘考试绘画创作

 如何以具象绘画运用隐蔽性的超现实主义反映作者所处的时代、环境、背景。这里需要说明的是并非是对客观现实的机械反映，不是纯客观地复制现实，而是作者将他所认识的客观现实，按照美的规律 ，通过一定的物质媒介充分传达和表现出来，是主动的反映现实，而不是被动的抄袭现实。
如何将意识创作和无意识创作结合？
“美是观念与形象的一致，观念与形象的完全融合。”这个说法确实说出了一个根本的特征——然而不是一般的美的观念的特征，而是所谓“精美的作品”即艺术作品的美的观念的特征：只有当艺术家在他的作品里传达出了他所要传达的一切时，他的艺术作品才是真正美的。这是当然的，只有在画家完全描绘出了他所要描绘的人时，他所作的画像才是好的。但是“美丽地描绘一副面孔”和“描绘一副美丽的面孔”是两件全然不同的事。
美的事物在人心中所唤起的感觉，是类似我们当着亲爱的人面前时洋溢于我们心中的那种愉悦。我们无私地爱美，我们欣赏它，喜欢它，如同喜欢我们亲爱的人一样。
美术作品的创作是一种复杂的精神活动和生产制作活动，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。 艺术美是真善美的高度统一，它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的。每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解。现实美和现实丑都是美术创作的源泉。通常被看作内容的东西，只是艺术借以表现自身的真正形式，而通常认为只是形式的东西，恰恰构成了一件艺术品的真正内容。美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。
人类在漫长的历史长河中创造了无数光辉灿烂的艺术珍品，艺术家每创造出一件艺术品，就为我们生活的世界增添了一件独特的、全新的或前所未有的东西。《审美心理描述》的作者这样告诉我们，同时提出这样一个问题 ，那就是：这些如此奇妙无比的艺术瑰宝究竟是通过一种什么样的能力完成的呢？《审美心理描述》中的《无意识与艺术》这个章节对无意识能力的考察或许可以给我们提供一些借鉴。作者首先考察了“无意识”概念的产生与发展 ，认为最早提到“无意识”的是英国神学家拉尔夫·柯德俄斯。再到19世纪末起,“无意识”就变成了欧洲学术界的口头禅,成了有教养的人言必称的东西。随着 科学的发展,人们对“无意识”现象的认识越来越深化了，至弗洛伊德,“无意识”概念便获得了更新颖和更深刻的内涵。另外，作者还以佛洛依德为主线谈到了“无意识”与艺术的关系，很受启发。
“无意识与艺术”这个章节中提到的“无意识”这个话题非常的有意思。作者在对“无意识”这个概念作考察的时候，谈到“无意识既不是一种普通的理性认识能力，也不是生物本能的能力,它究竟是一种什么样的能力呢？这就是古代的思想家称之为‘灵感’、近代的美学家称之为‘直觉’、现代的艺术心理学家称之为‘无意识’的能力。”由此让我想到美术创作的有意识和无意识。
什么是意识创作？什么又叫无意识创作呢？
意识创作就是指作者在创作前头脑中就想象出来的东西，或者说是在创作过程中根据不同的创作位置想象出所要创作的 内容 ，通过对想象进行创作的整个过程就称为意识创作，它一般包括理智创作和情感创作。如米开朗基罗在创作罗马教堂壁画的过程中，为了以壮观的场面表现上帝的形象，他苦思冥想，好长时间都没有满意的构思“一天一阵突如其来的暴风雨过去后,他去野外散步，看到天上白云翻滚，其中状如勇士的两朵白云飘向东升的太阳，他顿时彻悟，突发灵感，立刻回去着手进行创作，终于绘出了气势浩荡的《创世纪》杰作”。
理智创作主要是作者在集中精力并对头脑中所形成的艺术形象的书写的整个过程，它往往包含有突发灵感和早已萌发的意识创作冲动，这是意识创作最基本的一种创作方式。情感创作主要是作者通过对周围环境的感触及事情发展的经过，或是自我头脑中形成的一种情感意识，通过这系列的活动表现，创作者创作出来的作品就称之为情感意识创作。意识创作的前提是作者本身已具备了创作的条件，比如有一定的艺术功底、头脑意识等，在创作时运用想象，并结合要创作的内容进行设计，在头脑中已形成了初步的创作作品，而只差的就是表现在其创作的地方。意识创作是绝大多数艺术者都具备的，否则他的创作就不能称之为创作。意识创作的形成是一个长期的过程，它需要的是作者本身素质的提高，更需要的是作者先天的因素作为基础，后天的成长过程却是关键性问题。意识创作往往与人的记忆、思想、审美观念有关，更是个人性格和爱好的重要体现。
无意识创作就是指有一定的绘画基础或达到一定水平的绘画者，在意识创作过程中，或是在无意识的创作过程中，没有经过大脑的思考或者定位，要不就是只有一个轮廓，而脑海中无清晰的意识，在这个过程中所创作出来的作品就称之为无意识创作。无意识创作和意识创作是没有明显的界线的。在真正的创作过程中创作者往往是在意识创作中进入无意识创作过程中的，也就说无意识创作最初还是意识创作，可能是受周围环境、心灵变化、思想突变等因素引起的，创作意识的淡化或消失，而在无意识过程中创作出作品的过程。这样的无意识创作，实际上是有意识创作，人们往往分不清是有意还无意，历来有很多学者和 艺术 家在争论这样的话题。其实笔者认为，无意识创作是存在，但这种创作是极少的，人们往往把潜在的意识创作看成是无意识创作，而真正是无意识创作的作品时，他们自己也分不清楚。笔者认为，无意识创作有以下几个特点：一是无思想注入其内；二是无意识创作是很难再现的；三是无意识创作是无法模仿的；四是无意识创作需要的是以意识创作为基础，并通过其内化的作用，转化到无意识创作中来的，再有的就是无意识创作往往与创作者本身所具备的素质有关。在日常绘画作品中，是很难辨出无意识创作作品的，只有作者本人才可以辨认，所以，人们在评论绘画的真假时往往让作者本人鉴定，其目的就在于看作者的无意识创作的那部分手迹，假的东西是再也过不了无意识创作这一关的。
想象和联想思维在美术创作思维中是不可缺少的重要成分，是决定艺术创作成功与否的重要条件之一。在美术创作思维的领域中，艺术的创作总是强调标新立异、不落于俗套、不断创新的。想象和联想思维，是艺术家们在美术创作中一个非常独特的思维方法 。当艺术家在创作中看到、听到、接触到某个事物的时候，尽可能地让自己的思绪向外拓展，让思维超越常规，找出与众不同的看法和思路，赋予其最新的性质和内涵，从而使作品从外在形式到内在意境都表现出作者独特的艺术见地。
绘画创作并非仅仅是为了在作品中再现某一事件，画家也不像文学家和生物学家那样完整地去叙述某一事物和刻画某种细节，不能像诗人那样通过语言来诉说自己的思想，不能像音乐家那样通过声音来淋漓尽致地表现自己的情感，更不能像哲学家那样去探索人生的深刻道理。苏格拉底说：“绘画的任务是表现活生生的人的精神与他们最内在的东西。”让我们不由惊叹的是，早在2400年前，古希腊哲学家对绘画的阐述就已经达到这样高的坐标，更觉古人给世界留下的精神遗产之博大精深。追溯绘画历史的足迹可以发现，绘画作为人类精神活动之一，一方面不可避免地要受到其所产生的时代特点、 经济基础的制约，不可避免地受到政治环境的影响 ；另一方面还会和其他精神文化现象——宗教、哲学、历史等及其理论 、观点、思想相互发生影响。归结为一句话就是：画家的创作活动意味着人和世界缔结的一种特殊关系。
如何创作
“创作”一词在辞典中有两层含义：其一指创作文艺作品，其二指文艺作品。因而，绘画创作既包含绘画创作过程，也包含绘画作品本身。就绘画作品本身而言应体现时代主旋律，实际上是艺术家在艺术创作中或多或少地在作品中反映当下时代精神面貌与问题的某些特征和本质方面的首创性创作行为。几万年前，古人们在洞窟中或岩壁上，用粗壮而简洁的线条勾画出动物或人物的轮廓，充满了粗犷的原始气息和生活气息。中世纪，基督教的影响占统治地位，决定了当时的社会生活方式和社会意识形态，艺术也具有浓厚的宗教色彩，充当上帝和教会的代言人的角色。当时有人说：“世界脱下破烂的旧衣，替教堂披上洁白的袍子”。中世纪的艺术正是以一种勇于牺牲的无私精神，把灵魂牢牢凝固在耸入云端的教堂的塔尖上。文艺复兴时期，在经历了封建教会势力一千年的统治后，人们开始挣脱精神的束缚和奴役，人文主义的学者和艺术家提倡人性以反对神性，提倡人权以反对神权，提倡个性自由以反对人生依附，使文艺复兴时期的艺术更具有人文主义精神。现在，艺术更是以广泛的、多元的切入点关心、参与社会 发展 ，关注诸多社会问题。
作为绘画创作的主体—— 艺术家，离不开他们所生活的这个世界，于是有人说：“几乎所有的艺术作品在某种方式上都是艺术家生活和工作其中的那个世界的反映”。这种说法明显是肤浅的、片面的。如果一幅绘画作品的价值就在于它和现实的这种亲近性，那么绘画作为一门艺术早就被摄影所取代。绘画没有消亡，本身就是一种证据，它说明绘画之所以成为艺术并不在于它和现实事物有一种相似性，并由这种相似性产生一种似真幻觉。但是过去很长一段时间内，尤其是在艺术教育中，过多地强调如何客观地如实描写，致使不少人掉进自然主义的泥坑而不能自拔。值得我们深思的是：这些业已陈旧的观念和制度有没有扼杀某些天才！歌德曾经说：“艺术家对于自然有着双重关系，他既是自然的主宰，又是自然的奴隶。他是自然的奴隶，因为他必须用人世的材料来工作才能使人了解；他也是自然的主宰，因为他使着人世的材料服从他的较高的意旨，为着较高的意旨服务。”毕加索有一次对他的友人克里斯琴·泽尔瓦斯说：“当我在枫丹白露森林漫步时，那一片翠绿使我感到难以承受，所以，我必须把这种感觉用绘画的形式发泄出来。是绿色在支配一切，画家作画只不过想快一点卸下他那感觉和视觉上的重负而已。”这起码可以说明，绘画创作源于主题世界的心灵和精神那种最内在力量的强烈追求，在这点上，古希腊的画家就已经注意到绘画并不是纯粹的模仿客观世界，苏格拉底的论述就是最好的证明。
绘画创作需要灵感，灵感究竟指什么?在艺术概论中是这样解释的：“灵感是指一种暗伏于创作者个体潜意识中的具有独特创造性的心理与思维活动。”也许我在这里阐述得过于繁琐、抽象。这种心灵感觉是如何发生并贯穿始终的，罗马诗人P．奥维德说过：“有一个神在我们心中主宰着。”这是因为从本质上说，创作是一种不可见的心理事件，它是极难考察的。毕加索遇见了一片翠绿，由于无法承受而必须用绘画发泄出来。可想而知，那片翠绿必然牵动了毕加索心灵深处的感受。有位画家曾说：绘画是一种“突然遭遇”。实际上，也是阐述客观世界引发的主观感受。然而，不同的人在不同的环境下感受不同，即使是同一人在同一环境下也难于重复两次完全相同的感觉。思想、想象、感情和感觉属个体，任何人也没有直接进入到别人的心灵中去过。人们的心灵只能通过内省的方式来考察，至此，有一些东西可以肯定，灵感的产生也有主体的思想、情感、观念等诸多因素共同构筑
把事物从日常的伦理中分离出来，创造一种恍如梦境的画面。

论文摘要:艺术创作是一种带有强烈个人色彩的精神活动，艺术的无尽魅力就存在于其作品的独特风格之中。油画艺术的创作过程无疑就是在创作实践中将自己的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求进行最集中的体现和展示。凝聚着艺术家的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求的“艺术个性”，构成了绘画艺术的生命，无疑也是绘画艺术最为恒久的动力之所在。
翻看人类的艺术发展史，我们可以看出艺术发展的脉搏，在各个时期艺术发展的背后，有那么多热血沸腾，充满激情的画家，通过对艺术个性的张扬和执着追求，才使他们艺术作品大浪淘沙般地载人灿烂多彩的、充满文化气息的绘画艺术史册。当我们在为这些伟大的艺术家们而倾倒和敬仰之时，我们也许无法抑制自己的想象，会情不自禁地问:是什么使这些艺术家们在渴望着张扬自我个性的状态中，以饱满的热情创作出那么多感人的充满个性色彩的艺术作品。
在汉语中，风格一词最早见于南北朝，指人的风度品格，用以说明一个人的个性气质或行为方式。所谓绘画风格，则主要是指“绘画作品在内容与形式的统一中体现出来的整体特征”，它是通过绘画作品表现出来的相对稳定、更为内在和深刻、从而更为本质地反映出时代、民族或艺术家个人的思想观念、审美理想、精神气质等内在特性的外部印记。
绘画艺术的伟大之处就在于如何超越生活，创造出既源于生活又高于生活的艺术真实。伴随着现代主义绘画的浪潮，绘画也逐渐被看成一种人类所特有的认识世界(区别于现实世界的一种“观念的世界”)的方式。绘画作品的创作过程体现为艺术家依靠自己所特有的感性方式，通过认识的深化，进而完成从素材向绘画语言的转化，并最终塑造出可视、具体的艺术形象。
素养、天赋、经历、学识、性格、思想、情趣、理想以及在绘画造型、色彩、表现技能技巧方面是画家对于客观自然的感知和对自身主体的心灵观照与表现能力的综合表现。
但创作个性是要受到客观(即社会、 历史的大环境)的制约，所以，必须考虑到创作个性的解放是有条件的。必须附合本国国情、民族心理、固有文化背景。当然，只有从文化素养、思境境界，技能技巧锻炼、生活感受、传统学习、时代精神、艺术宗旨等方面下苦功夫，才能懂得创作个性形成的真谛，扩充个性容量，获得最大限度的创作自由，从而迈入较为开阔的艺术境界。
 
当欧洲18世纪的工业革命伴随着隆隆的机鸣声，将大量的机械制品以人们意想不到的速度和数量源源不断地推向市场时，一种在工业社会形成的“技术理性”左右了人类文明的发展趋势近三百年。它反映了人预测与控制自然的技术旨趣，也导致了工业社会的一整套基本的文化价值观念，如人类对自然的征服、自然的量化、有效性思维、社会组织生活的理性化和人类物质需求的先决性等。此种生存逻辑在其发展之初的确起到了进步的作用，可是至20世纪，这种生存方式因其对自然的肆意掠夺给人类家园带来了毁灭性的生存危机，同时也造成了人自身的异化，使人成为单向度的、零件式的、片面畸形的人。机械化、标准化、组织化等现代方式，严重腐蚀着人类的精神世界。 网络通讯技术的高速发展，似乎缩短了人与人之间的距离。然而却是一种被压缩的、异化了的平面，在心灵的世界里，人与人之间的温情已然淡化，空间距离与心理距离形成了强烈的反差。在物质与精神的双重压力下，人们不再欣赏玻璃幕墙光斑的闪耀，也不再眷念水泥丛林里的躁动与喧哗。当今社会中，人们更期待回归，回归到自然，回归到文化的源头。人们普遍寻求通过艺术来补偿现实中的精神的失落，抚慰疲惫的心灵。在这里，艺术作为一种来自心灵空间的变换多彩的语言，以其极具个性化的浑茫意象，正体现着深刻的人文内涵和生命状态，净化着人类心灵。
    时代的发展已使我们逐渐认识到，只有发挥创作个性，开发艺术生产力，才能扩展艺术的种类，达致艺术的多样性。因此，艺术间的相互借鉴、吸收、渗透、融合，将导致艺术的多样化、交叉化，使当代艺术发生很大的质的飞跃，许多艺术创作艺术上的问题也才能相应得以解决。总之，没有艺术个性的创作行为，会使艺术停留在无法创新、无法变通，没有民族意识和风格、没有文化心理、时代精神，导致艺术形式上的单一化，甚至产生艺术创作的枯揭，逐渐失去艺术的恒久生命力。

油画创作中的艺术个性
    艺术个性不同于现实生活中的个性，它能充分的发展，不受束缚。当作者将自己思想感情熔铸于自己笔下的形象时，由于它们饱含着生活气息，又高于生活，给人的启示、联想，往往会大于超越作者原来的思想，而具有更广、更深的、更为普遍，更为丰富的意义。在西方绘画发展史上，作品的个性问题一直为人们所重视。至西方近现代，作品是否具有鲜明的艺术个性，乃至成为衡量艺术家成就高低的最为重要的标志。
1、创作情感的个性化：情感是人们在社会实践中，在认识和改造世界过程中产生和发展的一种极其复杂的高级精神活动。情感往往体现为人类内心生活的最深层次，是人的生命本体的动力。由于情感的主观性最强，因而也就最容易被幻觉化和诗意化，同时，情感也才能引起欣赏者的审美幻觉，使之深深沉浸在自我创造的主观幻象之中。强烈的情感会使人们分析能力和自控能力急剧减弱，大脑皮层的兴奋过程导致情绪激化而放纵了想象机能。因此，当人们情感冲动时，起初都苦于找不到适当的词和言语来表达自己的心情，从而有一种紧迫感，这就是艺术语言的蓄势。这种蓄势所蕴含的能量越大，就越使语言出现畸形。可以看出，艺术语言的产生是为了适应人们情感活动的需要而创造的一种言语形式。我们也应该看到，一方面，赋予艺术语言的情感信息是客观的，但由于人们的情绪记忆不同，经过主体化了的情感信息就会有一定的差异性。个性化的艺术情感的价值也正体现在:艺术语言的交际价值。从艺术创作与欣赏的全过程看，就观照者而言，他必须理解艺术语言的情感信息之后才能产生自己的情感。可见，观照者情感模式的重新建构，是他的情绪记忆与艺术语言的情感信息之间同化与顺应的相互作用的结果。换言之，正是创作情感的个性化，才使艺术在人类的观念世界得以永生。
2、表现形式的个性化：艺术语言是情感的反映形式，情感是艺术语言运思的内趋力，它是创造艺术语言最重要的因素，它激活审美感受。审美感受的动因和目的是情感的表现化，它使整个审美感受过程的心理活动都融汇在情感的体验之中。在这体验中，既体现了发话主体情感的特点，也反映了发话主体认识问题的个胜。艺术语言是情感体验激发下的产物，它与常规语言表达思想、认识的功能不同，它是一种复杂的表情、体验系统。油画艺术的语言形式主要是经由艺术家在画面形式、色彩以及笔触等诸方面构成。事实上，一些著名的画家在长期的艺术实践中，普遍形成了自己所特有的艺术风格，而被人所称颂。个性化艺术语言价值的实现就在于打破语言的局限性，使话语充分体现出艺术魅力。艺术的无尽魅力存在于其作品的独特风格之中，而风格的独特性，主要来源于个性化的创作手法。油画艺术的创作过程无疑就是在创作实践中将自己独立的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求进行最集中的体现和展示。艺术家们在他们的形象思维能力与艺术灵感的程度上的天才表现，决不可能来源于他们业已僵化的创作与表现模式。综上所述，笔者以为，凝聚着艺术家的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求的“艺术个性”，构成了绘画艺术的生命，无疑也是绘画艺术最为恒久的动力之所在。

艺术作品本身所表达出来的意图会在欣赏者的心中唤起与创作者相同的情感和心里共鸣，并且细节的精彩会提升作品的价值帮助观者更好的理解作品的主题。艺术作品的价值很大程度上是体现在表现技法和令人心仪的形式之中，对色彩和线条的应用和高超的技法是必不可少的，在此之上艺术作品的题材比其他形式或技巧更能给人以震撼并使得作品更有吸引力。
纳兰霍的作品中透露出的在各种各样的怀旧中传递出期望未来的心情，反映了科技进步后，人却沦为物质文明的奴隶，人与人之间的感情关系显得格外淡薄。看他的作品如同在异度时空中承受来自灵魂深处的拷问，有矛盾、惶恐、无奈和不信任，把各种复杂的情感交织在一起，通过精心的描绘、干净的色彩、曼妙的光线、神秘的情调挖掘出事物内在的精神和真实。其绘画的价值在于理性的力量和崇高理想的结合，关注自己的主观世界和内心情感——认识自己，在主观现实中营造意境，在想象中再造世界，呼唤想象，重视想象，使众多意象从不同侧面共同表达作者的情感和意念，使作品内蕴丰富并产生动人的艺术魅力，以人物的心理活动为中心，表现回忆、联想、梦境、幻觉、欲念等，创作出具有诗意的画面表达主题意图，不盲从任何旧有模式的束缚，创造属于自己的独特意象，画中之景应是人的灵魂的投影。由此看来创作作品是要以客观的、及时的、真实的描绘、不违背天性的方式创作出能深深的触动我们心灵的画面。
而创造什么样的色彩才能表达所需要的感情，完全依赖自己的感觉、经验和想象里，以及对文化的深层次的理解吸收。对于所表现的物象来说，心理的真实和物理的真实是不同的，把兴趣点放在细节的刻画上，但这种局部的质感的强调是要服从于全局的。讲究构成和简约化造型。发出与命运抗争的强烈欲望。
以我们通常的观念看，艺术创作中的具象和意象好像是一对不可调和的矛盾，如果具象的成分太多，或者过于注重技术的因素，则会让作品失去意境的表达。如果精力集中于意境的表达，完全游离于形式之间，则会以牺牲具象为代价而营造意境。而纳兰霍的作品却很好的统一了这两个看似矛盾的点。他的作品十分的具象，但又极富意境，这就是纳兰霍式的具象中意象。是技术层面和精神层面的完美结合。具有极大的借鉴和现实意义。
坚持传统绘画的形式语言，重现绘画的本质价值。